像藝術家一樣的思考——若我有臺幣1500塊，我會選擇進劇場看戲嗎？

最近推票推得有點累。

創作者始終不是行銷，但當代的創作者好像不能不會行銷，包括從自己的作品到行銷自己。當不斷聽到：你的TA是誰？你做的戲要做給誰看？聽久了有時候不禁會提醒自己，常常在創作前先問自己TA是誰，卻慢慢忘記一件重要的事：自己也是自己的TA。若做一齣戲，自己也不想看，那麼還能稱為創作者嗎？雖然總是天真在想：創作者首要悍衛的就是創作本身，作品好了才要想怎樣行銷，但這世代已經不只是同行競爭，而是時間資源的競爭，觀眾的時間就只有那麼多，疫情後全世界使用時間的方法更是被重整。若他們擁有閒暇的時間，到底會願意花在哪裡，想來想去，想到跟ChatGPT做了一些統計：若我有臺幣1500塊，我可以怎樣選擇？

🎬 電影院 vs. 🏠 串流 vs. 🎭 劇場表演

看完ChatGPT的分析，覺得他是偏幫劇場的（他可能知道我是劇場工作者），所以總是說出什麼劇場體驗是「獨一無二、無法取代」的話，現在串流上的節目也越來越有後座力，而選擇多也不是罪。加上在「神聖」的劇場裡，坦白說，我也看過沒共鳴、沒思考、無聊到讓我發現椅子很難坐的戲。最近發現連FB上的「黑特劇場」也關門大吉，不知道是因為劇場真的是夕陽到這個點，還是寒冬時期大家還是覺得取暖比較重要。

最近也剛巧聽了李安導演在三年前的訪談，好像提供了一個面對競爭的做法。他說未來的電影發展要如何面對串流的崛起，他回答的大概內容是電影必須從兩個方向出發：一是「精緻大型的製作」，執行難度要高，同時也提供觀眾不一樣的觀影體驗；另一個方向則是原創性高卻輕便，拍攝期短，游擊式的「創意小品」。我覺得盜火近年的發展也是嘗試如此走走看，包括去年讀劇呈現的《熊出沒的森林》走的是原創輕便的實驗小品，到最近要演的《One Two Punch痛感一擊》則是走精緻大型的作品。

我們知道音樂劇的製作從來也不容易，而我們也不像李安在業界那麼有經驗。但第一步往往是最純粹的，這也是盜火編製最大的嘗試，籌備三年的作品，某程度上已慢慢變成一種信仰，信仰觀眾會走進劇場的可能。我們今年新定的劇團方針「盜火原創，解放想像」，也是我們新的目標：想透過更多的原創作品，讓觀眾的想像空間無限拓展。

《One Two Punch痛感一擊》的創作分享，之前已說很多，本來不想推票的，但下週這作品便進劇場了，知道寒冬時期有三成以上的觀眾便要感恩，但三年的努力，為的是其信念：原創的作品可讓更多人可看到。

最後援引ChatGPT安慰我的結語，我覺得滿有情緒價值的：

但，劇場為什麼還值得相信？

因為當它「對了」，它就無可取代。

• 一個現場演員的眼神，可能比整部影集更打動你。

• 一首現場演唱的歌，尋找的是千載難逢的共鳴。

• 一場戲可能讓你在黑暗中，想起自己忘了很久的痛。

• 一齣只有400人看的戲，能讓你覺得那一晚全世界只為這群人，設計這個獨一無二的夜晚。